Orchestre National de France

Chère festivalière, cher festivalier,

Ces derniers mois, nous n’avons cessé de caresser l’espoir d’organiser à nouveau un festival live en mars 2022. Aujourd’hui, ce rêve est devenu réalité, et c’est avec grand plaisir que nous vous accueillons, vous notre public, au Klarafestival, le plus grand festival radio de Belgique. L’expérience musicale a de tout temps été un événement collectif – et nous avons dernièrement vraiment senti que la musique joue aujourd’hui toujours ce rôle au sein d’une communauté. Les salles de concert sont des lieux de rencontre, des lieux d’écoute collective où l’on se retrouve pour célébrer, s’émerveiller et découvrir. C’est précisément la dimension de rassemblement physique qui a inspiré le titre de cette édition, « Let’s stick together ». 
 

Au gré de quelque 25 concerts à Bruxelles, Anvers et Bruges, nous déclinons cette année une programmation tout aussi variée. Comme à l’accoutumée, nous faisons venir en Flandre la crème du monde musical, comme la légende du piano Maurizio Pollini, le Bayerisches Staatsorchester ou encore The Orchestra of the Age of Enlightenment. Nous vous proposons d’écouter des œuvres phares, comme la Passion selon saint Jean de Bach, le Requiem de Campra ou la Septième symphonie de Chostakovitch. Mais le Klarafestival vous invite aussi à découvrir des nouveautés. Ainsi, une équipe de jeunes artistes s’attèle au ballet Peer Gynt de Schnittke, le metteur en scène Luigi De Angelis aborde la musique de Scarlatti, Pärt et Andriessen, et le théâtre Les Tanneurs se transforme en plage artificielle pour la performance-opéra Sun & Sea. 
 

Ce soir, nous fêtons le lancement du Klarafestival 2022. Vous avez peut-être déjà été accueillie à l’entrée de Bozar par la fanfare festive de l’ensemble de trombones Crossbones, ancien finaliste du concours de musique de chambre Supernova. Il vous a donné un avant-goût de l’atmosphère du concert d’ouverture, au cours duquel l’Orchestre National de France interprétera trois monuments sous la direction de Cristian Măcelaru : les nostalgiques Danses symphoniques de Rachmaninov, l’éloquent Taras Bulba de Janáček et le virtuose Concerto pour la main gauche de Ravel – avec en soliste nul autre que le pianiste Boris Giltburg. Nous vous accueillerons ensuite dans notre Lounge où vous pourrez discuter autour d’un verre ou écouter le DJ Von Rosenthal de la Vegaz mixer la musique classique pour créer un genre bien à lui.

Joost Fonteyne, 

Intendant Klarafestival

Taras Bulba de Janáček

En 1915, Leoš Janáček (1854-1928) voit d’un mauvais œil sa Tchéquie (assujettie à l’Autriche) contrainte de se battre aux côtés de l’armée allemande. C’est par solidarité qu’il compose une rhapsodie slave, Taras Bulba (1915-1918), la dédiant à « notre armée, la protectrice de notre nation ». Cette pièce orchestrale s’inspire de la nouvelle éponyme de Nikolaï Gogol, dans laquelle le valeureux combattant cosaque Taras Bulba résiste à l’armée polonaise. Janáček met en musique trois épisodes de ce récit. 

Le premier mouvement, « La mort d’Andreï », relate l’histoire du fils cadet de Taras Bulba, épris de la fille d’un général polonais ; il s’ouvre par une déclaration d’amour passionnée, jouée au hautbois, au violon et au cor anglais. L’atmosphère change quand les armées cosaque et polonaise s’affrontent ; l’orchestre devient alors le théâtre de la guerre et de la violence, avec des trompettes militaires et des trombones sanguinaires. Par amour, Andreï combat aux côtés de l’ennemi. Avant même qu’il comprenne ce qui lui arrive, il est décapité par son propre père. Le deuxième mouvement, « La mort d’Ostap », met en musique la capture du fils aîné de Bulba. Ce dernier, désespéré, trébuche dans les rues de Varsovie, à la suite d’Ostap. La marche bancale oppose un vif contraste à la mazurka effrénée qui lui succède et par laquelle l’impitoyable armée polonaise célèbre la mort d’Ostap. La rhapsodie se termine par une apothéose triomphale : portés par une ferveur farouche, les Cosaques vengent la mort d’Ostap, jusqu’à ce que Bulba soit à son tour fait prisonnier. La musique devient pourtant encore plus héroïque. Tandis que des cloches célestes résonnent, le chef des Cosaques, du haut de son bûcher, proclame une prophétie annonçant la victoire finale de son peuple intrépide.

Le Concerto pour la main gauche de Ravel

Le pianiste virtuose Paul Wittgenstein a lui aussi appris à ses dépens qu’une crise peut ouvrir de nouvelles portes : sa carrière semble brisée lorsqu’il est touché au bras droit pendant la Première Guerre mondiale, mais il ne veut pas renoncer et perfectionne avec assiduité la technique pianistique de sa main gauche et remonte sur scène après la guerre. Wittgenstein demande alors à plusieurs compositeurs, parmi lesquels Sergueï Prokofiev et Richard Strauss, de lui écrire des concertos. L’œuvre la plus célèbre de cette série est sans nul doute le Concerto pour la main gauche (1930) de Maurice Ravel (1875-1937), qui parvient à dépasser les limites du jeu à une seule main de telle façon que l’on croirait entendre courir non pas une, mais bien deux mains sur le clavier.

Le concerto s’ouvre par un grondement aux sections les plus graves de l’orchestre, combinant le doux chuchotement des contrebasses et un remarquable solo de contrebasson. La ligne mélodique du contrebasson est ensuite reprise par chacun des autres pupitres, et l’orchestre grimpe toujours plus dans les aigus. Et c’est précisément quand cette progression en crescendo parvient à son climax que le pianiste fait son entrée avec des sauts et des arpèges ultrarapides. Habituellement, la main gauche accompagne la mélodie que joue la main droite ; mais ici, le compositeur combine ces deux « rôles » (accompagnement et mélodie) dans un impressionnant solo pour la main gauche. Ravel déjoue aussi les attentes en modifiant l’architecture du concerto pour piano : l’œuvre ne suit pas la traditionnelle articulation en trois mouvements, mais est construite à partir de plusieurs fragments qui se fondent discrètement les uns dans les autres. Dans les nombreux changements d’atmosphère, Ravel se révèle en orchestrateur magistral, faisant alterner mélodies rêveuses, rythmes énergiques et couleurs jazzy.

Les Danses symphoniques de Rachmaninov

À l’été 1939, Sergueï Rachmaninov (1873-1943) décide de quitter l’Europe en raison du climat politique agité. Accompagné de sa famille, il met le cap sur les États-Unis et s’installe au luxueux et vaste Honeyman Estate à New York. Ce domaine donne sur le port de Northport, et, telle une sirène, le piano de Rachmaninov amène bien des bateliers surpris à amarrer leur embarcation pour l’écouter des heures durant. C’est là que le compositeur russe écrit sa toute dernière œuvre, Danses symphoniques (1940), trois ans avant sa mort. 

Ce n’est pas sans raison que Rachmaninov intitule d’abord les trois danses « Midi », « Crépuscule » et « Minuit » : ces mouvements symbolisent en effet pour lui les différentes phases de sa propre existence. L’œuvre est donc conçue comme une sorte de testament musical dans lequel le compositeur intègre des citations de ses œuvres. La première danse reprend ainsi avec nostalgie le thème d’ouverture de sa Première symphonie (1895), qui trouve ici aussi une fin sereine. Dans le deuxième mouvement, les roulades capricieuses des bois entraînent l’orchestre dans une valse énigmatique, presque ensorcelée. Dans la troisième et dernière danse surgit le Dies Irae, le terrifiant chant grégorien de la messe des morts qui a obsédé Rachmaninov toute sa vie. Le compositeur cite aussi dans cette troisième partie la psalmodie « Blagosloven yesi, Gospodi » [Béni es-tu, Seigneur] tirée de ses Vêpres pour chœur (1915) qui célèbrent la résurrection du Christ. Rachmaninov fait ainsi s’affronter les motifs musicaux de la mort et de la résurrection dans une lutte qui atteint son point culminant avec la victoire de la seconde. Et, comme si son ultime composition lui apportait réellement la rédemption, il souligne ce climax en notant dans la partition le cri de joie « Hallelujah ! »

Boris Giltburg

Boris Giltburg naît en 1984 à Moscou et passe son enfance à Tel Aviv. Très vite il s’impose lors de compétitions internationales, remportant de nombreuses récompenses dont le Premier Prix au Concours Reine Elisabeth en 2013. Le pianiste s’est notamment produit avec le Philharmonia  Orchestra, le BBC Scottish Symphony, le Koninklijk Concertgebouworkest Amsterdam, le Belgian National Orchestra, l’Antwerp Symphony Orchestra et l’Orchestre symphonique de Prague. Il a en outre collaboré avec des chef·fes d’orchestre comme Marin Alsop, Martyn Brabbins, Edo de Waart, Neeme Järvi, ou encore Yan Pascal Tortelier. En 2019-2020, pour le 250e anniversaire de la naissance de Ludwig van Beethoven, Giltburg a réalisé une intégrale filmée et gravée sur disques des 32 sonates du compositeur pour le label Naxos.

Cristian Măcelaru

Cristian Măcelaru est né à Timișoara (Roumanie) en 1980. Il s’est fait connaître sur le plan international en 2012, en remplaçant Pierre Boulez à la tête du Chicago Symphony Orchestra. La même année, il recevait le Solti Emerging Conductor Award, puis en 2014 le Solti Conducting Award. Il dirige depuis lors les plus grands orchestres américains, comme le Chicago Symphony Orchestra, le New York Philharmonic et le Los Angeles Philharmonic. En Europe, il se produit régulièrement en tant que chef invité avec le Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks, l’Orchestre royal du Concertgebouw d’Amsterdam, ou le BBC Symphony Orchestra. Il est actuellement directeur musical du WDR Sinfonieorchester de Cologne, ainsi que directeur musical du Festival de musique contemporaine de Cabrillo (Californie) depuis 2017. Măcelaru a pris ses fonctions de directeur musical de l’Orchestre National de France le 1er septembre 2020.

Orchestre National de France

Formation de Radio France, l’Orchestre National de France est fondé en 1934. Du fait de son héritage et le dynamisme de son projet, l’orchestre est le garant de l’interprétation de la musique française. Cette ambition, ajoutée à la diffusion des concerts sur les ondes radiophoniques, a fait de l’Orchestre National une formation de prestige. Tout au long de son histoire, l’orchestre a multiplié les rencontres avec les chefs comme Leonard Bernstein, Pierre Boulez ou Sir Colin Davis, et des solistes tels que Martha Argerich, Yo Yo Ma ou Yehudi Menuhin. Il a créé de nombreux chefs-d’œuvre du XXe siècle, comme Le Soleil des eaux de Pierre Boulez, Déserts de Edgar Varèse, Jonchaies de Iannis Xenakis et la plupart des grandes œuvres de Henri Dutilleux. Le 1er septembre 2020, Cristian Măcelaru a pris ses fonctions de directeur musical de l’Orchestre National de France.

19:00 - 19:20
Bozar Salon Ovale

Introduction par Elsa de Lacerda

19:30 - 19:50

Klarafestival LOUNGE

Warm and festive welcome by the young Belgian trombone ensemble Crossbones 

21:30 - 22:30
Klarafestival LOUNGE 

Afterparty with Dutch DJ Von Rosenthal De La Vegaz. He mixes the great classics with arias of his favourite sopranos or iconic soundtracks, without beats. 

ORCHESTRE NATIONAL DE FRANCE  

MUSIC DIRECTOR AND CONDUCTOR

Cristian Măcelaru 

GENERAL MANAGER

Johannes Neubert 

SOLO VIOLINS

Luc Héry, principal

Sarah Nemtanu, principal

FIRST VIOLINS

Elisabeth Glab 

Bertrand Cervera 

Lyodoh Kaneko 

Catherine Bourgeat 

Véronique Rougelot 

Nathalie Chabot 

Marc-Olivier de Nattes 

Claudine Garcon 

Xavier Guilloteau 

Stéphane Henoch 

Jérôme Marchand 

Khoï Nam Nguyen Huu 

Agnès Quennesson 

Caroline Ritchot 

David Rivière 

Nicolas Vaslier 

SECOND VIOLINS

Florence Binder, principal

Laurent Manaud-Pallas, principal

Nguyen Nguyen Huu 

Young Eun Koo 

Ghislaine Benabdallah 

Gaétan Biron 

Hector Burgan 

Laurence del Vescovo 

Benjamin Estienne 

You-Jung Han 

Claire Hazera-Morand 

Mathilde Gheorghiu 

Ji-Hwan Park Song 

Anne Porquet 

Gaëlle Spieser 

Bertrand Walter 

Rieho Yu 

VIOLAS

Nicolas Bône, principal

Allan Swieton, principal

Teodor Coman 

Corentin Bordelot 

Cyril Bouffyesse 

Julien Barbe 

Emmanuel Blanc 

Adeliya Chamrina 

Louise Desjardins 

Christine Jaboulay 

Élodie Laurent 

Ingrid Lormand 

Noémie Prouille-Guézénec 

Paul Radais 

CELLOS

Raphaël Perraud, principal

Aurélienne Brauner, principal

Alexandre Giordan 

Florent Carriere 

Oana Unc 

Carlos Dourthé 

Muriel Gallien 

Emmanuel Petit 

Marlène Rivière 

Emma Savouret 

Laure Vavasseur 

Pierre Vavasseur 

BASSES 

Maria Chirokoliyska, principal

Jean-Edmond Bacquet 

Jean-Olivier Bacquet 

Grégoire Blin 

Thomas Garoche 

Tom Laffolay 

Stéphane Logerot 

Françoise Verhaeghe 

NN 

FLUTES 

Silvia Careddu, principal

Joséphine Poncelin, principal

Michel Moragues 

Patrice Kirchhoff 

Édouard Sabo (piccolo) 

OBOES

Thomas Hutchinson, principal

Mathilde Lebert, principal

Nancy Andelfinger 

Laurent Decker (English horn)

Alexandre Worms* 

CLARINETS 

Carlos Ferreira, principal 

Patrick Messina, principal

Christelle Pochet 

Jessica Bessac (E-flat clarinet) 

Renaud Guy-Rousseau (bass clarinet) 

BASSOONS 

Marie Boichard, principal

Philippe Hanon, principal

Frédéric Durand 

Michel Douvrain (contrabassoon) 

Elisabeth Kissel (contrabassoon) 

HORNS

Hervé Joulain, principal 

Vincent Leonard, principal

François Christin 

Antoine Morisot 

Jean Pincemin 

Jean-Paul Quennesson 

Jocelyn Willem 

TRUMPETS

Rémi Joussemet*, principal

Andreï Kavalinski, principal

Dominique Brunet 

Grégoire Méa 

NN 

TROMBONES 

Jean-Philippe Navrez, principal 

Olivier Devaure 

Julien Dugers 

Sébastien Larrère 

TUBA 

Bernard Neuranter 

TIMPANI

François Desforges, principal 

NN 

PERCUSSION 

Emmanuel Curt, principal

Florent Jodelet 

Gilles Rancitelli 

NN 

HARP

Emilie Gastaud, principal

PIANO/CELESTA 

Franz Michel 

ASSISTANT DIRECTOR

Delyana Lazarova 

* in order of tenure